CINÉMA GREC

Né à Athènes, il y fait des études d’économie et travaille comme photographe, avant de s’installer à Los Angeles, où il étudie le cinéma et réalise des documentaires, des courts métrages et des pièces de théâtre, jusqu’en 1981.
En Grèce, il s’engage dans la réalisation et la production au cinéma et au théâtre, ainsi que dans la réalisation de films publicitaires et de films d’entreprises.

Son première œuvre pour le cinéma, Megara (1974), constitue un documentaire politique et écologique, un film à thèse à l’époque de la junte des militaires.
Suivant l’insurrection des habitants de la petite ville de Megara, Tseberopoulos trouve l’occasion de dénoncer l’exploitation de l’environnement et de ses habitants de la part des gouvernements et de grands groupes d’intérêt économiques. Megara est primé au Festival de Thessalonique et au Festival du Film de Berlin (1974).

Le premier long-métrage de Tseberopoulos est L'amour soudain (1984), adaptation cinématographique du roman “Talgo” de Vassilis Alexakis. A travers une histoire d’amour inattendu et sans avenir, le réalisateur y traite avec habileté les fluctuations psychologiques de la femme amoureuse. Le film connaît un grand succès commercial et remporte des Prix nationaux de production, de photographie et de la meilleure actrice.

En 1990, son second long-métrage, Au revoir, (photo à gauche) constitue encore un film de référence pour le cinéma grec. Autour de la vie quotidienne et futile d’une famille de la petite bourgeoisie et de ses problèmes, Tseberopoulos mêle passion et tension et révèle la question du rêve inaccompli. Le film est un succès commercial et reçoit 5 Prix nationaux.

Dans son dernier film, La porte de derrière (2000), on suit le passage d’un adolescent à la maturité lors des années 60. Considéré par certains comme son meilleur film, il se distingue par son humour aigu, ses personnages bien développés, ainsi que sa haute qualité de production.

Dans une période difficile pour le cinéma grec, Tseberopoulos a fait preuve de son capacité d’approcher le grand public et communiquer avec lui, abordant des sujets quotidiens et simples, destinés à tous.

Auteur et actrice reconnue, esprit subtil et vif, Georges Sarri est morte le 9 juin, à l’âge de 87 ans. 

Née en 1925 de père originaire de l’Asie mineure et de mère française, Sarri a fait des études en dramaturgie à l’Ecole de Dimitri Rontiris, et, à la fin de la seconde Guerre mondiale, elle a commencé sa carrière en tant qu’actrice de théâtre à Paris. 

Sa première apparition au grand écran s’effectue en 1958 avec Fin de Crédit de Michalis Cacoyannis. Viennent par la suite L’Homme du Train de Dinos Dimopoulos,Phaedra de Jules Dassin, Crime dans les Coulisses de Dinos Katsouridis, film pour lequel Sarri a reçu le Prix de la Meilleure Actrice de Second Rôle au Festival International de Film de Thessalonique, et Happy Day de Pantelis Voulgaris. 

Mais ce qui a fait vraiment sa réputation, c’est son rapport avec la littérature. Au total, elle a écrit plus de 20 romans, une nouvelle ainsi qu’une pièce théâtrale.
Ses 22 livres destinés aux jeunes ont été chaleureusement accueillis par le public. Ses œuvres sont, dans une grande partie, inspirées de ses expériences personnelles venues de l’histoire récente et ses faits marquants tels que l’Occupation allemande, la Guerre civile et les régimes de dictature de 1936 et de 1967.

Tonia Marketaki est l’une des représentantes du Nouveau Cinéma Grec. Son œuvre constitue par sa subtilité une expression caractéristique de la sensibilité féminine.
Elle a mené une vie courte mais pleine d’action intellectuelle et artistique, restant fidèle jusqu’au bout à ses valeurs esthétiques.

Née en 1942 au Pirée, elle rêve faire des films dès l’âge de 10 ans, quand elle découvre les Jeux Interdits de René Clément.
Elle suit des études en tant que boursière à l’Institut des Hautes Etudes Cinématographiques (IDHEC) à Paris, en même temps qu’Angelopoulos, Panayotopoulos et d’autres figures emblématiques du cinéma grec contemporain.
De retour en Grèce, elle travaille d’abord comme rédactrice artistique et critique du cinéma pour la presse athénienne.

Son premier court-métrage en 1967, Jean et le chemin l’emmène en prison, sous le régime des colonels. Elle s’enfuie à Londres où elle collabore comme assistante au montage avec Jean Luc Godard et Nicholas Ray. Pendant son exile, elle se trouve aussi à Alger, où elle tourne des documentaires pour des agriculteurs illettrés.

Son premier long-métrage voit le jour en 1971 et suscite des réactions très vives. C’est Ioannis, le violent, qui gagne les prix de réalisation, scénario et meilleur rôle masculin au festival de Thessalonique et représente la Grèce aux festivals de Berlin et de San Remo.

C’est un film très original, un commentaire social et psychologique de la Grèce des années ’60. La scénariste et réalisatrice entreprend ici une critique subtile du pouvoir et de la loi, pleine du sarcasme et de l’humour noir. Ioannis est un homme dérangé qui vit aux fantasmes érotiques de pouvoir et de domination sur l’autre sexe. Il passe aux aveux du meurtre d’une jeune femme et se mêle dans une aventure révélatrice de l’absurdité des autorités publiques et de la presse.

En 1976, sa tentative de tourner un film de science-fiction, une idée très avant-garde pour les données cinématographiques grecques de l’époque, va échouer.

Le Prix de l’amour (1984) est sans aucun doute le chef d’œuvre de Marketaki. Il s’agit de l’adaptation de la nouvelle de Constantin Theotokis L’honneur et l’argent dont le scenario est signé par la réalisatrice.
Film des mœurs de la société du début du vingtième siècle et de l’émancipation féminine qui permet à la realisatrice d’explorer le rapport entre amour et argent. Vêtu de la musique d’Eleni Karaindrou, le film fait un succès artistique international.
Il est honoré de sept prix au Festival de Thessalonique, du prix du meilleur film méditerranéen (Festival Bastia, Corse) et s’inscrit dans les dix meilleurs films grecs à partir de 1960 par l’International Film Guide.

Marketaki fait aussi la réalisation d’une série télévisée (Lemonodasos, 1977), et plusieurs mises en scène, surtout au Théâtre d’Etat de la Grèce du Nord.

Elle produit des émissions à la radio, écrit des poèmes et des récits, traduit du français et de l’anglais des auteurs importants, tels qu’Apollinaire, Gerson, London etc. et adapte en grec moderne des fameuses tragédies (Antigone, Oedipe Tyran etc.). Son dernier film, Nuits de Cristal (1992), représente la Grèce dans 20 festivals internationaux et gagne plusieurs prix.

Elle meurt brusquement en 1994 d’une crise cardiaque. Son œuvre, riche et variée, reflète un esprit large et aigu à la fois, qui a laissé une trace remarquable aux arts et lettres grecs de la fin du dernier siècle. (Voir vidéo en grec)

Arte Povera au cinéma grec. Stavros Tornès (1932-1988) brouille les pistes et fait passer la (sa) vie poétique au grand écran.

Flâneur lui-même de l’art et de la vie, fait toutes sortes de petits boulots avant de se jeter dans l’étude du cinéma en 1957. Il travaille dans les années ‘60 sur de nombreux tournages en tant que technicien et acteur dans le Ciel de Kanelopoulos et Bloko d’Ado Kyrou et fait avec Kostas Sfikas son premier court métrage intitulé "Thiraikos orthros" (Matines à l’île de Thera), documentaire sur Santorin. 

La dictature des colonels le pousse à quitter le pays pour gagner l’Italie. Les grands réalisateurs italiens de gauche aux styles divers l’accueillent dans leurs films, comme le maître de la "Commedia all’ Italiana" Mario Monicelli, avec "Nous voulons les colonels" (1973), parodie de la dictature grecque, ou Francesco Rossi avec, entre autres, "Le Christ s’est arrêté à Eboli" (1979) basé sur le roman de Karlo Levi. Il reste surtout à la mémoire la figure de Tornès dans le grand film des Frères Taviani "Allosanfan" (1979).

Le goût de la peinture ne lui échappe guère et cela est visible dans la réalisation du film Coatti (1977) qui interprète avec sa compagne Charlotte Van Gelder.

Voyage au quotidien où Stavros choisit des gens du peuple (camionneurs, paysans, etc.) alors que lui-même tient des propos mêlant christianisme et marxisme. Les rues de Rome, ses trattorie et les visages des habitués y sont présents à coté des expressions des Napolitains dans les rues de Naples. 

Stavros ne revient en Grèce qu’en 1982 et il continue son parcours solitaire et poétique avec le film Balamos. Il décrit de la façon suivante ce terme : "Balamos, est un homme toujours en voyage, qui s'extasie devant le monde. Il marche sans but défini, à l'aventure, plongé dans son rêve, et entre de plain-pied dans les situations qui se présentent " 

Vient ensuite Karkalou, titre qui renvoie au petit village de l’Arcadie. Le rêve et les visions mystiques hantent ce film étrange qui rompe encore une fois avec les conventions de la narration linéaire. (Prix de l'Association panhéllenique de la Critique). 

Danilo Treles est son avant dernier film. Le grand critique du cinéma grec Giannis Bakoyanopoulos nous donne sa propre description de ce film: "Danilo Treles, ressemble à un jeu dadaïste, conduit par le vieux Volpone, l'homme-renard qui incarne la ruse, la dépravation et le sarcasme. Le film tout entier est une mise en scène de l'égarement, un conte humoristique sans véritable trame. Les personnages les plus hétéroclites, les races et les langues se rencontrent dans les montagnes et les fleuves d'Épire". 

Un héron pour l'Allemagne, c’est son dernier film (1987) fait presque de rien, mais adoucit par la musique du grand Manos Hadjidakis. Rêve contre réalité, imagination contre quotidienneté et références à l’histoire sont les ingrédients de ce film. 

A voir également Le Pauvre Chasseur du Sud, documentaire de Stavros Kaplanidis (1994), qui constitue un voyage dans le monde et les images de Stavros Tornès et à retenir surtout cela à propos l’œuvre de Stavros: l’art ne nécessite pas forcement les grands budgets et les gigantesques campagnes publicitaires.

Giorgos Panousopoulos s’inscrit dans le courant du Nouveau Cinéma Grec sans pour autant partager la rhétorique dominante à caractère politique ou sociologique, qui a marqué le cinéma grec dans les années ’70 et ’80.

Au lieu de céder à des films à thèse, ou d’une approche principalement sociologique, Panousopoulos met l’accent sur le paysage intérieur de ses protagonistes. Il s’intéresse donc à l’aspect humain de la vie, se concentrant surtout aux sentiments, aux désirs et aux passions de ses héros.

Son premier long métrage est le fameux Lune de miel en 1979, au lieu de se concentrer sur la situation sociale et politique de l’époque, Panousopoulos choisit un sujet humain mais aussi méconnu, celui du troisième âge.

Il met en scène des gens qui approchent la fin de leur vie et qui cherchent à fuir dans le monde du rêve et de l’imagination. Un peu plus tard, il tourne le film Ceux d’en face (1981), un étudiant, passionné de motos, surveille avec un télescope une femme mariée, plus âgée, qui vit à l’autre côté de la rue et tombe amoureux d’elle. Le réalisateur s’exprime ici sur l’amour, comme antidote à un univers urbain lourd, voire aliénant.

En 1985, vient Mania, il s’agit d’un film étrange, qui suit le parcours d’une programmatrice en informatique en crise existentielle. Sa promenade dans le parc national d’Athènes va lui permettre de connaître le monde de ses instincts, en compagnie d’un jardinier, qui nous rappelle la figure mythologique de Pana.

Le film Tu m’aimes? (1989) est, d’après sa propre déclaration, son meilleur film. Un homme âgé perd sa vie dans son effort à regarder une jeune femme, qui répétait nue le rôle de Juliette. Plongé au lit de l’hôpital, au bout de la mort, l’homme fait sa propre rétrospective à travers les grands épisodes d’amour de sa vie.

Son cœur, ainsi que sa façon à aimer, fut transplanté dans le corps d’un autre homme, qui va tomber amoureux de la veuve de son bienfaiteur. C’est un hymne à l’amour, dans sa forme pure et naturelle, plein d’images charmantes des paysages de la campagne grecque. Ses scènes nues ont suscité des critiques aussi bien en Grèce qu’a Vénice, où le film a été projeté.

Le lien étroit du réalisateur avec sa ville, Athènes, est illustré dans le film Un jour la nuit (Athens blues) (2001), Panousopoulos utilise une technique d’amateur, afin de créer une ambiance simple et conviviale, pendant que le spectateur suit la flânerie d’un petit garçon qui cherche ses propres lignes de fuite auprès des espaces et des personnages d’Athènes la nuit.

Son film le plus récent, intitulé Testostérone (2004), constitue un récit humoristique des aventures d’un voluptueux jeune marin, tourmenté par le désir qu’il suscite chez les femmes qui l’entourent.

L’érotisme est omniprésent dans la filmographie de Panousopoulos, il le présente dans une version tendre, enfantine et à la fois impudente, émanant de la nature et des instincts humains. L’amour dans son œuvre est associé aux plaisirs de l’été, à la liberté et la poésie.

Il devient le synonyme de la joie de vivre, l’antidote à la mort et à l’éphémère, son regard sensible et sensuel va au-dessous de la surface des choses, pour explorer avec curiosité et intérêt véritable l’état d’âme de ses héros et de l’être humain en général. C’est comme cela qu’il met son sceau personnel au Nouveau Cinéma Grec.

Né à Athènes en 1940, Pantelis Voulgaris fait partie d’une génération des cinéastes bien politisés, dont les films explorent le paysage politique et social de la Grèce contemporaine.

Cette génération marque une rupture considérable par rapport à la génération des réalisateurs du cinéma commercial et constitue un nouveau courant cinématographique, connu sous le nom du “nouveau cinéma grec”.

Voulgaris, figure de proue de ce courant, débute en 1965 avec son court métrage, Le Voleur (O Kleftis), film d’un réalisme subtil et continu avec un deuxième, Tzimis Le Tigre (Tzimis o Tigris, 1967), qui lui attribue deux prix au festival international de Thessalonique.

En 1972, son premier long métrage apparaît, intitulé Les Fiançailles d’Anna (To Proxenio tis Annas), qui connait un succès considérable au sein de la critique grecque et internationale et remporte des prix au festival de Thessalonique, ainsi qu’au festival de Berlin en 1973.

Le film constitue un diagnostique fin des mœurs oppressives au sein de la famille moyenne grecque de l’époque, en présentant l’histoire d’une jeune fille domestique dont les patrons s’opposent farouchement à son mariage.

Il vient après Happy Day (1977), qui porte sur le sujet délicat des prisonniers politiques de la gauche au cours de la guerre civile. Voulgaris parvient à mettre en lumière l’irrationalité des oppresseurs et la cruauté humaine.

Le film de Voulgaris le plus politiquement coloré est sans doute les Années de pierre (Ta Petrina Xronia, 1985), lauréat aux festivals de Thessalonique, de Vénice et de Valencia.

Le film dresse le panorama de l’histoire politique grecque de la guerre civile (1946-1949) à la restauration de la démocratie en 1974, suite au septennat de la dictature militaire.

Le film se concentre sur la micro-histoire d’un couple, les deux étant partisans de la gauche, persécutés pour leurs idées. L’évolution politique de la période pèse lourdement sur le couple, marqué par l’emprisonnement prolongé qui empêche une vie commune.

Plus récemment, Voulgaris a tourné le film Les Mariées (Nyfes, 2005 - vidéo), lauréat de nombreux prix internationaux.

Le film traite une histoire d’amour qui se déploie ‘alors que l'Asie mineure est à feu et à sang et le "King Alexander" vogue vers New York. A son bord, 700 candidates à l'émigration. Elles n'ont dans leur petite valise que la photo d'un fiancé inconnu qu'elles épouseront dès leur arrivée et une pauvre robe de mariée.’

Son dernier film, paru en 2009, L’âme profonde (Psychi Vathia -vidéo), retrouve les soucis politiques de sa jeunesse. Néanmoins, Voulgaris s’efforce de fournir cette fois, sans parti pris, un regard équilibré, mettant l’accent non sur la justification politique mais sur le drame personnel indépendamment des choix politiques.

Voulgaris, toujours actif avec son œuvre abondante et riche en qualité, a déjà trouvé sa place parmi les meilleurs du “nouveau cinéma grec”.

Représentant du Nouveau Cinéma Grec des années 1970 avec Théo Angelopoulos et Pantélis Voulgaris, le réalisateur Nikos Panayotopoulosse distingue par son style déconcertant, imprévisible et mystérieux.

Né en 1941 et ayant effectué des études de filmologie à la Sorbonne, à Paris, où il a vécu plus de dix ans (de 1960 à 1972), Panayotopoulos tourne son premier long-métrage Les Couleurs de l'iris en 1974. Ce film est une sorte de manifeste de son cinéma caractérisé par un certain anticonformisme et une élégance de style.

Le film raconte l’histoire d’un type étrange qui, portant un parapluie, interrompt le tournage d'un film publicitaire et après avoir été refoulé, s'enfonce tout habillé dans la mer avant de disparaître.

Influencé par la Nouvelle Vague française et comme il l'a souvent répété par Godard, Panayotopoulos n'hésite pas à recourir à l’absurde, explorant les rapports entre le cinéma et la réalité, ainsi que les pouvoirs mystificateurs de l'image.

En 1980, il tourne Mélodrame, histoire d'un amour inaccessible doublé d'une méditation radicale sur l'isolement, tourné en noir et blanc, sur l'île de Corfou, dans un décor pluvieux, glauque et mélancolique.

L’ironie et le sarcasme de Panayotopoulos, sont aussi présents dans cette histoire d’amour, où on voit, au premier plan, un magnétophone répétant des paroles du protagoniste. Dans Variétés (1985) et La femme qui rêvait (1988), le réalisateur s’interroge sur le réel et sa représentation, sur les rapports du cinéma et de la vie.

Racontant l’histoire d’un réalisateur en crise au premier film et d’une femme en mal d'amour au deuxième, Panayotopoulos poursuit une réflexion sur le rêve comme moteur de la créativité.

Esprit ouvert qui aime s’expérimenter, Panayotopoulos a tourné des films de genres différents, tels que le road, movie Je rêve de mes amis en 1993 ou les films Le Célibataire (1997) et Au bout de la nuit (1999), présentant le nouveau visage de la Grèce, celui du chômage et des émigrés clandestins.

Bien que les sujets de ces films soient durs, Panayotopoulos garde son regard oblique et son humour singulier.

Le réalisateur a même tourné un film controversé qui pourrait être caractérisé comme un hybride de drame et de film musical. Le film Mourir à Athènes, tourné en 2006, n’a pas reçu, d’ailleurs, de critiques favorables.

Tout au long de sa carrière, Panayotopoulos, a refusé de se soumettre à la réalité imposée par les cicatrices de la guerre et de la dictature, choisissant de créer une autre réalité, fantastique et transcendantale. Son œuvre est une œuvre rêveuse, élégante mais surtout libre.

Elle fait des études à l'Ecole Dramatique du Théâtre National à Athènes, près du grand maître, Dimitris Rontiris, et dans les années 50, elle s’excelle dans des rôles tragiques, comme “Médéa” et “Electre”.

Le succès vient avec Les canons de Navarone (1960) et deux ans après, une longue coopération avec le réalisateur Michalis Cacoyanniscommence. Fruits de cette coopération, la trilogie antique, Electre (1962) (vidéo), Les Troyennes (1971) et Iphigénie (1977), et bien sur Zorba le Grec (1964), dont l’énorme succès lui confère une notoriété internationale. En 1969, Irène Papas est choisie par Costa Gavras pour jouer à côté d’Yves Montand dans le film Z, interprétation qui lui vaut l’Oscar.

De sa longue et continue présence cinématographique de plus de 50 ans et de 70 films, on note également ses rôles dans le Chronique d’une mort annoncée (1986) de Francesco Rosi et Capitaine Corelli (2001) de John Madden.

Irène Papas s’occupe également de la musique, prêtant sa voix dans deux albums de Vangelis et apparaît dans quelques séries télé, comme L’Odyssée.

Parmi ses nombreux prix, notons le prix Femmes d'Europe qui lui a été décerné en 2002 pour sa contribution culturelle et artistique. En 2008, elle a été également honorée par la Biennale de Théâtre de Venise.

D’une beauté méditerranéenne et d’un style d’interprétation tout particulier, elle est souvent caractérisée comme l’incarnation de la tragédienne grecque. Ses rôles portent la plupart des fois sur la vie dure des femmes. Comme elle a affirmé : “Je n’ai jamais voulu interpréter des femmes sensuelles ou désirables. J’ai voulu jouer moi-même; la militante indépendante.”

Katína Paxinou (1900-1973) est considérée comme l’un des ‘monstres sacrés’ du théâtre et du cinéma non seulement grec mais aussi international.

Née au Pirée au tournant du 20e siècle, elle effectue des études musicales à Genève, Berlin et Vienne et commence sa carrière en tant que chanteuse d’opéra, avant de se consacrer définitivement au théâtre.

En 1929, elle intègre le Théâtre National de Grèce où elle fait la connaissance de l'acteur et metteur en scène Alexis Minotis (1898-1990). Elle partagera sa vie avec lui jusqu’à sa mort mais aussi une partie de son parcours artistique.

Tout d’abord, elle lie son nom à la réviviscence de la tragédie grecque ancienne et aux premiers pas du Théâtre National.

Cette grande dame joue le rôle homonyme dans Électre de Sophocle, la première mise en scène de tragédie grecque dans l’amphithéâtre d’Epidaure, présentée en 1936 par le Théâtre National sous la direction de Dimitris Rontiris.

Ses performances aux tragédies Œdipe Roi de Sophocle (1952), Médée (1955 - vidéo) et Hécube (1956 - vidéo) d’Euripide sont également classifiées parmi les classiques du genre.

Pendant les années ‘40, Paxinou et son mari s’installent aux Etats-Unis où elle poursuit une carrière impressionnante aux scènes théâtrales de Broadway (New York), ainsi qu’au cinéma.

Son premier film hollywoodien est Pour qui sonne le glas (1943 - vidéo) de Sam Wood, à coté de Gary Cooper et d’Ingrid Bergman.

Pour sa performance au rôle de Pilar, une femme brave et dure, Paxinou gagne en 1944 le prix Golden Globe et un Oscar, tous deux dans la catégorie du meilleur second rôle féminin.

Une série de films américains suit, parmi lesquels, Le deuil sied à Électre (1947 - vidéo), adaptation au cinéma de la pièce théâtrale d’Eugene O'Neill,‘Dossier Secret’ (titre original Mr. Arkadin, 1955) d’Orson Welles et Quand la terre brûle (titre original The Miracle, 1959).

Autre rôle emblématique de sa carrière est celui de la mère (la ‘mamma’ méditerranéenne) dans le film franco-italien Rocco et ses frères (1960 - vidéo) de Luchino Visconti.

En 1950, elle rentre en Grèce et en marge de ses prestations au cinéma et au théâtre, Paxinou joue également pour la télévision américaine et britannique (quatre séries et un téléfilm entre 1952 et 1970). 

En 1969, elle participe au seul film grec de sa filmographie, L’île d’Aphrodite (1965), portant sur la lutte chypriote contre l’occupation britannique.

En 1972, atteinte de cancer qui allait l'emporter l'année suivante, elle fait sa dernière apparition au théâtre, dans ‘Mère Courage et ses enfants’ de Bertolt Brecht, à Athènes.

Une étoile lui est accordée sur le Walk of Fame d'Hollywood.

C’est l’artiste qui a incarné l’éternelle jeunesse et l’insouciance dans l’esprit du peuple grec si tourmenté par les souffrances des années d’après-guerre. Aliki (appelée surtout par son prénom, en signe d’intimité) constitue le symbole du grand essor du cinéma grec commercial.

Sa carrière tellement réussie et sa popularité exceptionnelle auprès de plusieurs générations successives de spectateurs lui confèrent la qualité d’une vraie star du cinéma, sans précédent dans l’industrie cinématographique grecque.

Née en 1933, elle montre très vite une forte inclinaison vers l’art dramatique. Elle réussit au concours d’entrée à l’école dramatique du Théâtre National, où elle devient l’élève de metteurs en scène importants de l’époque tels que Dimitri Rondiris et Alexis Solomos.

Son début sur scène survient avec le rôle de Juliette de Shakespeare, avec lequel elle attire immédiatement l’attention des critiques.

Mais c’est au cinéma qui attire la grande foule où Vougiouklaki trouve son élément.

Sa première apparition se fait dans le film La petite souris (1954) de Nikos Tsiforos, suivie par toute une longue série de rôles légendaires dans des films célèbres, surtout des comédies, produites par la firme Finos.

Dans la plupart d’eux, elle joue la fille mignonne et vulnérable qui fait des malices et tombe amoureuse, comme dans le film La Correction va venir du paradis (1959- vidéo), où Aliki est une collégienne gâtée, séduite par son professeur.

Le film Aliki dans la Marine (1961- vidéo) dans lequel Vougiouklaki entre clandestinement dans un navire de guerre pour l’amour d’un marin, est un grand succès commercial. Bien qu’identifiée avec un répertoire facile et léger, son talent a été reconnu aussi dans des rôles bien exigeants.

En 1960, elle est honorée du premier prix du festival de Salonique pour son interprétation à Mantalena  (vidéo), un film émouvant, vêtu aux mélodies charmantes de Manos Hatzidakis, qui participe également au festival de Cannes. Au début des années 1970, l’actrice surprend l’audience, en jouant avec virtuosité le rôle dramatique d’une femme engagée à la Resistance contre les Nazis dans le film Sous-lieutenant Natacha, qui reste jusqu'à aujourd’hui parmi les plus grands succès commerciaux du cinéma grec. 

Même si elle n’a pas la voix expérimentée d’une chanteuse, elle interprète très dignement des chansons des compositeurs grecs les plus importants de l’époque, comme Hatzidakis, Theodorakis, Markopoulos, Ksarhakos etc.

Sa tentative de poursuivre une carrière à l’étranger fut cependant un échec. L’audience internationale se montre méfiant envers ses deux films tournés en anglais, Aliki my love (1963) et Double accord (Dancing the sirtaki, en anglais) (1966). 

Le partenaire de Vougiouklaki dans la plupart de ses films fut l’acteur important Dimitris Papamichael, avec qui ils deviennent un couple dans la vie aussi.

Leur mariage en 1965 est reçu avec enthousiasme par leurs nombreux fans. Ceci ne dure que 10 ans, mais donne à Aliki son fils bien aimé, né en 1969.

Parallèlement à sa grande carrière cinématographique, elle ne cesse de travailler au théâtre aussi. Elle devient la chef de sa propre troupe théâtrale depuis 1957.

Beaucoup de scenarios de ses films dans les années ‘60 étaient initialement écrits et présentés comme pièces de théâtre.

Dans les années ‘80, à l’époque du déclin galopant de l’industrie cinématographique grecque, elle propose à ses spectateurs un genre inhabituel pour le spectacle grec, la comédie musicale.

Des productions très riches et élaborées, comme Cabaret, Cabiria, Evita, ainsi que La Mélodie du Bonheur, sa dernière pièce, connaissent un succès remarquable.

Elle monte deux fois sur la scène de l’ancien Théâtre d’Epidaure aux rôles d’Antigone et de Lysistrata, en suscitant quand même des commentaires controversés.

Elle meurt brusquement à l’âge de 63 ans et en pleine créativité par un cancer. Son décès inattendu plonge en deuil le peuple grec qui lui a montré son affection pendant plus de quatre décennies.

Elle reste toujours un personnage populaire, symbolisant l’adolescence éternelle d’une autre époque d’innocence et d’insouciance.

On a l’impression que tout est dit et écrit sur cette femme connue un peu partout dans le monde sous le nom de Mélina Mercouri. Toutefois, rendre hommage à elle constitue un devoir qui revient souvent à l’ordre du jour.

Figure extraordinaire, voire polyvalente, elle a laissé ses traces dans l’histoire grecque contemporaine, en tant qu’actrice, chanteuse, activiste et femme politique.

Née à Athènes en 1920, issue d’une famille de la grande bourgeoisie, Mélina est la petite-fille d’un maire réussi et populaire d’Athènes. Dans ce foyer, si riche en rencontres, elle s’initie aux valeurs de la démocratie et à l’art du débat politique.

Déterminée à devenir actrice malgré l’opposition de sa famille, elle étudie à l'Ecole Dramatique du Théâtre National et commence sa carrière sur scène à Athènes. Son premier succès vient en 1949 avec la pièce ‘Un tramway nommé Désir’ de Tennessee Williams. Ensuite, elle s’installe à Paris, où elle rencontre Marcel Achard et joue des pièces de boulevard.

 

Le grand succès vient en 1960, avec Jamais le dimanche  (video) où Mélina incarne Ilya, une prostituée populaire, libre et indépendante des quartiers du Pirée, qui chante “Les Enfants du Pirée” de Manos Hadjidakis, une mélodie reconnue depuis dans le monde entier.

En 1967, la dictature des colonels est imposée en Grèce et Mélina exprime ouvertement son opposition au régime, ce que lui coûte la privation de ses droits civiques et son exil en France. Jusqu’à la restauration de la démocratie en 1974, elle milite contre la dictature.

En 1973, elle publie son autobiographie, intitulée “Je suis née grecque”, dans laquelle elle exprime son amour profond pour son pays et son peuple.

Dès son retour en Grèce (1974), Mélina se consacre à la politique. Membre fondateur du Parti Socialiste (PASOK) et puis députée, elle devient ministre de la Culture du 1981 au 1989.

Elle lie son nom notamment aux efforts effectués pour la restitution en Grèce des marbres du Parthénon, qui se trouvent au British Museum de Londres, une lutte poursuivie après sa mort par la Fondation Mélina Mercouri.

En 1985, en tant que ministre, elle développe, dans le cadre du Conseil européen, l’idée de la “ville européenne de la culture”  visant à contribuer au rapprochement des peuples d'Europe. Elle redevient ministre de la Culture du 1993 jusqu’à la fin de sa vie en 1994.

En 1997, un prix international Mélina Mercouri a été prévu par l’UNESCO, en récompense des actions de sauvegarde et de mise en valeur des grands paysages culturels du monde.

D’un tempérament saisissant et surtout passionné de tant de choses différentes, Mélina a lutté avec zèle pour la promotion de la culture grecque. Son peuple garde toujours d’elle un souvenir vif, en lui reconnaissant son grand amour pour la vie, l’art et la Grèce et pour son ‘esprit grec’ authentique.

Le cinéma grec des années 50 a été marqué par le légendaire couple Elli Lampeti – Dimitris Horn, deux grands acteurs du cinéma et du théâtre, “amants éternels” au cinéma et, pour quelques années, dans la vie. Deux personnages tellement différents ayant commun l’amour passionné pour le théâtre.

 Lampeti (1926-1983) provenant d’un milieu populaire, a fait des études de théâtre chez l’école de la fameuse actrice grecque Marika Kotopouli sans avoir encore terminé ses études secondaires.

De sa part, Horn (1921-1998), fils d’une famille bourgeoise avait effectué des études à l’École du Théâtre National avant de les poursuivre en Angleterre et aux États-Unis.

Pendant la période de leur couple amoureux, les deux acteurs participent aux films classiques du cinéma grec tels que Le Réveil du Dimanche (1954) et La Fille en noir (1956) de Michel Cacoyannis, films d’une qualité extraordinaire qui fournissent une image représentative des couches sociales diverses mais aussi une image des mœurs sévères en province grecque.  

La Fausse Livre d’or (1955) de Yorgos Tzavellas constitue un autre classique pour le duo Lampeti/Horn et met en scène sans doute le meilleur couple amoureux qu’on n’a jamais vu au cinéma grec. Pourtant, Lampeti et Horn se veulent avant tout acteurs de théâtre, justifiant leur participation au cinéma, pour des motifs financiers.

Après leur séparation, à la grande déception du grand public qui aimait tant ce couple passionnant, les deux acteurs continuent leur carrière sans jamais connaitre de nouveau l’apothéose du passé.Horn, considéré comme l’un des plus grands acteurs de l’après guerre en Grèce a interprété au théâtre des grands rôles du répertoire classique (Ivanof, Don Juan, Richard III, Henri IV, Sleuth, Solnes le constructeur etc), alors que Lampeti a incarné au théâtre la Blanche du Bois, Irma la Douce, Filumena Marturano, Mademoiselle Margarita etc.

Sa carrière est marquée à la fin de sa vie par l’interprétation de Sarah, une sourde muette dans la pièce “les enfants du silence” au moment où elle avait perdu sa propre voix à cause d’un cancer.

Lampeti est morte en 1983 et Horn en 1998 mais le grand public grec garde toujours un souvenir vif et tendre de leur exceptionnel parcours artistique.

Costas Manoussakis, d’une carrière cinématographique brève mais impressionnante, a réalisé trois films seulement avant de se retirer à l’âge de 33, sans pourtant connaitre les raisons de cette décision. 

Dans les années ’60, ses films ont suscité des réactions et fait du bruit dans le monde entier où ils ont été projetés.

En même temps, les critiques de l’époque l’avaient unanimement reconnu comme un grand talent et un styliste des films dont le potentiel allait au delà des limites étroites du cinéma grec de l’époque.

Manoussakis débute sa carrière de réalisateur en 1958 avec Amour aux Dunes, un mélodrame avec Andreas Barkoulis au rôle d’un fugitif rejeté dans une plage isolée où il rencontre une jeune fille belle et délirante, Anna (Aliki Vougiouklaki), qui erre comme une petite diable aux dunes, avec la compagnie d'un épouvantail.

 

En 1964, La Trahison reçoit 3 prix au Festival International du film de Thessalonique, ainsi que le prix de la Paix au Festival International de Film de Moscou.

Le film, un drame psychologique fascinant, autour d’un amour interdit, dont l’intrigue se déroule durant l’occupation nazie, est aussi entré en compétition au Festival de Cannes en 1965. 

Son dernier film, La Peur (1966), considéré comme son meilleur, est sorti dans une époque où dominait en Grèce le cinéma commercial.

On se situe à la veille de l’apparition du ‘’Nouveau Cinéma grec’’ et un autre genre de cinéma ne pouvait donc pas prospérer encore aisément. Manoussakis, malgré quelques tentatives de ‘revenir’, s’est forcé, par la suite, à la marginalisation.

De père grec et de mère éthiopienne, élevé à Beyrouth, puis exilé en France, époux d’Anouk Aimée et d’Olga Karlatos, Nicos Papatakis, plus connu comme Nico, est l’un des réalisateurs d’origine grecque les plus réputés de l’après guerre.

A Paris où il s’installe en 1939, il fréquente l'intelligentsia parisienne de l'époque. Plus tard, il crée le cabaret La Rose Rouge dans le quartier de Saint-Germain de Près, passage préféré de nombreux artistes tels que Mouloudji, Michel Piccoli, Les Frères Jacques et Juliette Gréco. 

Son amitié avec Jean Genet l’emmène en 1950 à la réalisation et au financement du Chant d’amour, dont la photographie est signée par Jean Cocteau. Le film, qui aborde le thème de l’homosexualité en prison, a été vivement critiqué et censuré et ne sortira en salles qu’en 1975. 

Les Abysses, d’après la pièce théâtrale Les Bonnes de Genet, c’est son premier long-métrage réalisé en 1962, axé sur l’histoire d’une famille bourgeoise humiliée par ses femmes de ménage.

Le film reçut en 1963 le Grand Prix de l’Académie de Cinéma, mais ceci après avoir provoqué un scandale au Festival de Cannes. Certaines critiques de l’époque y reconnaissent un plagiat provocateur.

Genet avait affirmé à propos du film qu’il est possible de s’indigner contre la ténacité avec laquelle Nico Papatakis a su saisir et conduire son film pendant deux heures.

Quoi qu’il en soit, “on doit garder les yeux grands ouverts comme lorsqu’un acrobate exécute un numéro mortel.”

Les Patres du désordre (1967) est un film de réflexion existentielle qui critique fortement les mœurs qui poussent les jeunes au désespoir et au déclin.

En même temps, Papatakis y exprime son opposition à la dictature des colonels de l’époque. Il faut attendre presque 20 ans pour qu’il procède au tournage d’un nouveau film.

En 1986, il réalise La photo, film austère et rigide sur le thème de l’exil, sélectionné au Festival International du Film de Thessalonique et au Festival de Cannes.

Quatre ans plus tard Les Equilibristes avec Michel Piccoli sera son dernier film.

Papatakis, un “ami rare, un homme de courage, un cinéaste raffiné et audacieux” selon les paroles de Jack Lang, a été honoré en 2009 avec l’insigne du Commandeur dans l’Ordre des Arts et des Lettres.

Un an après, en 2010, Papatakis un "irréductible marginal dont l'exigence et l'audace nous poursuivront longtemps", selon Frédéric Mitterrand, meurt à Paris.

Cinéaste rare et parcimonieux (six films en trente ans), Nico Papatakis apparaît aujourd’hui, dans ce monde où fait retour le politique, où l’exclusion est plus que jamais d’actualité, comme un auteur essentiel.

Dimitris Kollatos est bien connu tant pour ses activités artistiques (réalisateur, metteur en scène, acteur et écrivain) si discutées, que pour son activisme politique.

Il commence sa carrière au théâtre au début des années 1960, quand il monte, pour la première fois en Grèce, ‘La Cantatrice chauve’ d’Eugene Ionesco, ‘La Fin de partie’ de Samuel Beckett et ‘La Chambre’ d’Harold Pinter.

En 1962, il tourne son premier film, Athina Khi- Psi- Xi, un court métrage primé au Festival international du film de Thessalonique.

Deux ans après, avec son dernier court métrage, I Elies (Les Olives, 1964), pour lequel il également écrit le scenario, il acquiert une place parmi les jeunes réalisateurs de qualité.

Son troisième film, La mort d’Alexandre (1966), a remporté les prix de meilleur film, de scenario et de musique au Festival de Thessalonique. Cependant, ces deux films ont été interdits pendant des années, à cause des scènes non conformes à la moralité de l’époque.

Pendant la dictature des colonels en Grèce (1967-74), Kollatos vit à Paris où, en tant que directeur du Théâtre d’Art, il monte 20 pièces de théâtre, dont La femme de Socrate et Philippe Pétain.

En France, il réalise également deux films, Le banquet (1972), où il s’interroge sur l’homosexualité et l’amour et La France de Giscard (1985), dans lequel il approche la France giscardienne des années 1970 d’un œil critique, voire hérétique.

Son retour en Grèce en 1975 n’a pas mis fin à son activité artistique.

Parmi ses œuvres de l’époque, notons Aghios Prevezis (1982) sur la vie scandaleuse d’un évêque. En 1988, il réalise son film le plus connu, I zoi me ton Alki (La vie avec Alkis), avec lequel il concilie les Grecs avec l’autisme, film qui touche critiques et public.

Père d’un garçon autiste lui-même, basé sur sa propre expérience, y montre les angoisses des parents des enfants autistes.

Un autre film autobiographique, Kokkino triantafyllo sou ekopsa (Le rose rouge), sur sa vie après le suicide de sa femme et protagoniste de ses films, l’actrice française, Arlette Baumann, vient en 1993.

Dans Alexandre et Aissé, en 1998, il traite l’amour entre un Grec et une Turque faisant aussi référence à la présence musulmane en Grèce.

Avec son dernier film, I diathiki tou ierea Jean Meslier (Le Testament du curé Meslier, 2009 - vidéo), Kollatos aborde le sujet de la religion et du rôle de l’Eglise.

Dinos Dimopoulos, peut facilement être caractérisé comme `homme de spectacle`, ayant consacré l’essentiel de sa vie au théâtre et au cinéma en tant qu’auteur, scénariste, metteur en scène et auteur.

Né en 1921 et après des études de droit et de théâtre, Dimopoulos commence sa carrière cinématographique comme acteur avant de tourner son premier film Les Cieux sont à nous en 1953.

Découvert très tôt par Filopímin Fínos, le fondateur de Finos Film, la plus grande société de production cinématographique en Grèce, Dinos Dimopoulos, s’adonne à une grande diversité de genres cinématographiques comme l'idylle bucolique, le mélodrame, la comédie et le drame social.

Il tourne chez Finos Films quelque 48 films, connaissant un très grand succès commercial tels que La Belle Poire, Mademoiselle le directeur, Une Famille loufoque, Jenny-Jenny, J'Accuse les hommes, réalisés dans les années 60, avec des acteurs populaires comme Aliki Vougiouklaki, Tzeni Karezi, Alekos Alexandrakis, Nikos Kourkoulos etc. 

Malgré le caractère commercial et divertissant de ses films, Dimopoulos a réussi à imposer son propre style de qualité en se diversifiant de la vulgarité souvent rencontrée au cinéma populaire.

C’est pourquoi les critiques de cinéma lui ont attribué le qualificatif du `noble du cinéma populaire grec`. A noter que ses films ont représenté la Grèce dans plusieurs festivals internationaux comme le festival de Berlin, du Caire, de Vienne etc.

En 1961 son film Maddalena, une comédie sentimentale tournée sur l’ile d’Antiparos, a été sélectionné au Festival de Cannes.

 Le film, un grand succès commercial, a remporté les prix de `meilleure actrice`, `meilleur scénario` et `meilleur acteur dans un second rôle`, lors de la Semaine du cinéma grec à Thessalonique, première version du Festival international du film de Thessalonique. La musique du film a été composée par Manos

 

Hadjidakis. Son dernier film, "Les Dauphins du golfe d’Ambracie", un film pour enfants qui présentait ses mémoires d’enfance dans la province grecque, a reçu cinq récompenses dans quatre festivals en 1994.

Dinos Dimopoulos, personnalité polyvalente, marque un tournant dans sa carrière dans les années 80 et consacre son temps à l’écriture des pièces de théâtre et de littérature, laissant dans ce domaine une œuvre assez importante.

Yiannis Dalianidis (1923 – 2010) a été un des réalisateurs grecs les plus reconnus et aimés par le public grec.

Il fut scénariste, acteur, danseur et chorégraphe.

Dès 1958, il se met à écrire des scénarios et sa carrière de réalisateur démarre une année plus tard avec la comédie La Petite Muse.

En 1961, avec La Descente, il commence sa collaboration avec Finos Film, société de production cinématographique, avec laquelle, il réalise à peu près 59 films.

Les films étaient des grands succès et accompagnaient la grande réputation de Dalianidis jusqu’à sa mort.

Suivent La Loi 4000, autre film succès, qui raconte l’histoire d’un professeur avec une morale d’acier, voulant par tous les moyens chasser une prostitué de l’immeuble où il habite, et Certains le préfèrent froid… qui est la première comédie musicale de Dalianidis, avec un casting des acteurs très connus.

Peu après, viennent Le Vertige, La Flambeuse avec la fameuse Rena Vlachopoulou, Le Prince sans souliers, La Nuit des noces, Les Perles bleu marin, La Parisienne,Réveille-toi Vassili, Une grecque au harem (photo), preuves d’une carrière riche, productive et variée.

Par la suite, Dalianidis s’est, aussi, consacré à la télévision, avec la réalisation de plusieurs séries télévisées, bien appréciées par le public grec.

En 1974, il écrit le scénario et réalise la série télévisée en noir et blanc Le Parc d’attractions qui gagna le spectateur pour 7 années consécutives. La série racontait les problèmes de la famille grecque de l’époque.

Plus tard, durant les années ’80, il réalise des films sociaux, destinés également à la jeunesse. (Les chacals en 1981, Le Virage en 1982). Son dernier film pour le cinéma, Perpetuité, du genre dramatique lui-aussi, raconte les souffrances de l’enfance qui ont influencé de manière déterminante la personnalité d’un jeune moine.

En 1995, il réalise pour le petit écran une série télévisée d’après le roman de Costas Taktsis Le troisième anneau.

Pour Dalianidis, la Grèce de l’époque, un pays en voie de développement, était une planche idéale sur laquelle, le drame, la critique sociale pourrait se réconcilier avec la musique et le divertissement.

Ces films musicaux avaient un grand succès car ils transportaient le spectateur dans un autre monde, d’une ambiance différente.

Dalianidis, conscient des problèmes de son époque, les a révélés à travers ses films des années ’80 et a parlé des drogues, de la délinquance, ce qui lui a permis de montrer qu’une révolution sans cause amène à la destruction de toute utopie et à la fin des rêves de la jeunesse.

Alekos Sakellarios, né à Athènes en 1913 et décédé en 1991, fut un chroniqueur, scénariste, réalisateur, acteur et producteur inspiré qui a marqué l’évolution du cinéma grec.

Il a fait des études de droit, mais très vite il s’est consacré au journalisme.

Il a écrit des articles et chroniques dans plusieurs revues et journaux pendant une période de presque 60 ans. La première œuvre qu’il écrit pour le théâtre est Le Roi du Halva, en 1935.

Plume prolifique, il nous a légué 185 pièces théâtrales, surtout des comédies.

Le cinéma le gagne après la guerre et une carrière brillante commence pour ce cinéaste autodidacte en 1946 avec le film Prends femme dans ton pays.

Il a adapté beaucoup de ses succès théâtraux pour le cinéma et il a réalisé quelque 140 films et écrit les paroles pour presque 1500 chansons.

Souvent dans ses comédies, il est metteur en scène, il écrit le scenario et les paroles des chansons, il joue même un petit rôle ! Sakellarios a fait des films qui, malgré une légèreté apparente, traitent des sujets sociaux et politiques et dressent le portrait de la société grecque de l’époque.

C’est en 1948, avec Les Allemands reviennent qu’il s’attaque à l’antiaméricanisme ambiant en brandissant une nouvelle menace nazie et en 1954 dans Thanassis le Politicien, qu’il dénonce la démagogie politique.

Notons son grand succès en 1957, La tante de Chicago, avec les grands acteurs Geogia Vassiliadou et Orestis Makris, dans lequel il critique les mœurs et les vieilles traditions de l’époque.

En 1959 il tourne La correction vient du paradis (vidéo), voté meilleur film comique de la période 1955-60. En 1966, Ma fille la socialiste (vidéo) décrit le système économique et politique du pays avant la dictature des colonels (1966-1974).

Par la suite, sa créativité inépuisable l’oriente vers la télévision ; il a écrit et réalisé plus de 40 comédies télévisées et en allant contre le climat de décadence du cinéma grec des années 80, il tourne trois derniers films en 1985 et 1986.

Maître de la comédie, souvent musicale (vidéo), où des héros appartenant aux classes moyennes inférieures sont confrontés aux petits tracas familiaux et professionnels, Sakellarios a laissé son empreinte, en tant que figure emblématique de l’âge d’or du cinéma grec (années 50-60).

Il reste inoubliable au public pour ses films happy-end, tant aimés par les Grecs de tous âges qui font toujours rire, même s’ils ont été tournés il y a 50 ou 60 ans.

Robert Manthoulis est né en Grèce en 1929, mais il vit à Paris depuis 1967. Figure emblématique du cinéma grec, il est cependant bien connu au public francophone notamment en tant que réalisateur pour la télévision.

En fait, il a mis en scène de nombreux téléfilms et documentaires pour la télévision française, souvent en coproduction avec la télévision suisse, allemande et grecque.

Principalement consacré à des documentaires, il a pourtant réalisé six films de long métrage pour le cinéma (voir sa filmographie complète), transmis ou distribués dans la plupart des pays européens, au Canada, en Australie et aux États-Unis.

Il tourne son premier film de long métrage en 1960, la comédie‘Madame la Maire’ (I Kyria Dimarchos - vidéo). Dans une île pittoresque de la mer Egée, le conflit incessant entre deux taverniers voisins, Anargyros et Aspasia, atteint son climax lors des élections municipales.

Les deux y sont candidats et commencent à promettre monts et merveilles. L’antagonisme entre nos deux héros les conduits à des actions exorbitantes.

Ce qui complique les choses est l’amour entre leurs enfants, qui offre finalement la solution à cette tragicomédie, à travers -quoi d’autre?- un mariage. La persistance d’Aspasia, énergétique et déterminée à tout faire pour gagner, fait le drôle de l’histoire, en mettant l’accent sur le thème du "combat éternel des sexes".

Le film fait aussi un commentaire charmant sur les mœurs de la vie provinciale des années ’50-’60, marquées par les débuts du féminisme en Grèce.

En 1962, il tourne son film majeur, "Haut les mains, Hitler", œuvre caractéristique d’un humanisme populaire. Deux amis se retrouvent après des années et se rappellent les instants comico-tragiques passés ensemble pendant l’occupation, instants qui ont resserrés leur amitié sous des conditions angoissantes. Le film passe souvent à la télé grecque et suscite toujours la même profonde émotion.

Son dernier film, ‘L’Histoire de Lilly’ (Lilly’s Story, 2002 - vidéo), se base sur sa propre vie en tant qu’expatrié, ainsi qu’aux expériences de son entourage des années ’70, à savoir la communauté des intellectuels grecs résidant à Paris, ayant quitté la Grèce pour s’enfuir du régime militaire.

Le récit se concentre sur la préparation d'un film sur la vie d’une résistante grecque pendant qu’un groupe d’intellectuels contribue au scénario et à la production. Cette idée principale du ‘film dans le film’ a été aussi dictée par des événements réels. Début des années ’70, Melina Mercouri (déjà une star suite au film ‘Jamais le dimanche’) se trouve à Paris.

Là, elle a eu l'idée pour Manthoulis de tourner un film se référant à la condition politique en Grèce. Manthoulis n’a pu jamais matérialisé le film avec Merkouri dans le rôle principal, mais 20 ans plus tard, il a pu tourner l’histoire de cette idée et de l’époque qui l’a faite naître. 

Comme Manthoulis lui-même le pose, ‘il s'agit d'une époque et d'une situation personnelle, un film basé sur mon vécu et celui de mes amis.

Ce n'est pas un document d'époque à 100%, puisque c'est avant tout une fiction, mais une fiction inspirée de la réalité c'est ça l'art, c'est ça son rôle. L'artiste prend les éléments, il les recompose et donne à voir un nouveau monde, le sien, qu'il propose de mettre à la place de celui qui est là.

Vassilis Georgiadis, né dans les Dardanelles en Asie mineure en 1921 et mort en 2000, est le seul réalisateur grec, deux fois nominé pour l’Oscar du meilleur film étranger.

Après des études de sciences politiques et de cinéma à Athènes, il travaille comme assistant auprès de grands réalisateurs grecs, comme Koundouros et Dimopoulos.

Par la suite, le réalisateur s’occupe des drames ainsi que des comédies et vers 1960 il essaie de renouveler le genre "foustanela" (des histoires d’amour se déroulant dans la campagne grecque du 19ème siècle) en introduisant des éléments du western américain: Crystallo (1959), Le sacrifice (1961), La malédiction de la mère (1961). Avec Le Rage(1962) il gagne le pari de la maturité sur le plan de la narration, de l’usage de la psychologie, voire de la création des rythmes purement cinématographiques.

C’est en 1963 qu’il crée son chef d’œuvre Les Lanternes rouges (vidéo), l’un des plus célèbres mélodrames du cinéma grec, nominé pour l’Oscar du meilleur film étranger.

Avec une approche réaliste et poétique, une qualité des images et toute une série de célèbres acteurs, Georgiadis dépicte dans ce filml’histoire tragique des femmes des maisons closes du Pirée.

Deux ans après, avec Terre sanglante, il fait preuve d’une créativité poétique. Le film, nominé aussi pour l’Oscar du meilleur film étranger, traite l’histoire de deux fils d’un grand propriétaire foncier qui se fâchent quand l’un prend le parti des métayers.

En 1968, les Filles au soleil, racontant la tendre idylle entre un berger et une jeune touriste, représente l’un des souvenirs les plus doux du cinéma grec. Ce film a été nominé pour le Globe d’Or du meilleur film étranger.

A noter également, la même année, le Rendez-vous avec une inconnue (vidéo), pour lequel, Elena Nathanaël a remporté le prix de la meilleure actrice au Festival international du film de Thessalonique.

Mais Georgiadis n’a pas été seulement un réalisateur de cinéma. Après quelque 20 films, il s’est tourné à la télé et durant les années 1970 il a adapté pour le petit écran de grandes œuvres de la littérature grecque. ‘Le Christ recrucifié’ de N. Kazantzakis et ‘Junkermann’ de M. Karagatsis figurent parmi les plus connues.

Georgiadis a réussi à rester indépendant contre les grandes sociétés de production et les studios de son époque et en même temps il a joui du succès commercial de ses films et de grandes audiences de ses séries télé.

Il a été conseiller en cinématographie au ministère de la Culture et en 1999 il a été honoré pour l’ensemble de son œuvre lors du Festival International du film de Thessalonique.

Grigoris Grigoriou, né en 1919 à Athènes et ayant effectué des études de droit, de théâtre et de cinéma, est bien connu pour son film Le Pain amer (1951), version grecque du néoréalisme florissant à l’époque.

Ce film raconte l’histoire d’une famille d'ouvriers entraînée dans la spirale de son destin social et marquée par la mort, le sacrifice, mais aussi l’espoir d’un avenir meilleur.

Il s’agit d’un témoignage représentatif de la Grèce de l’après-guerre, qui combine la forme du néoréalisme avec le contenu de la critique sociale. Ce film est considéré comme le film le plus connu de Grigoriou, qui, par la suite, effectue un tournant dans sa carrière cinématographique.

Ce tournant est visible lorsqu’en 1956, il réalise L’enlèvement de Perséphone, dont le scénario est écrit par Iakovos Kampanellis et où fait sa première apparition l’acteur Kostas Kazakos.

Le film, caractérisé comme une satire des mœurs, se moque des aspects de la vie à la campagne à travers la description de l’amour de deux jeunes vivant dans deux villages voisins qui se trouvent presque en situation belliqueuse à cause de la gestion des eaux de la région.

Quelques années plus tard, en 1963, Le Frère Anna met en scène un bandit qui amène sa troupe au monastère afin de dérober une croix toute en or, connue sous le nom de la croix d’Alexandre le Grand. Mais, Anna, vivant dans le monastère, réussit à découvrir progressivement toute l’intrigue et se mobilise pour faire échouer le vol.

Le film, présenté lors du Festival International de Film à Thessalonique, a reçu le Prix de la meilleure interprétation pour le premier rôle masculin. 

Grigoriou renoue ses liens avec la comédie à travers le film No, Mr Johnson (1965), marqué par l’influence du facteur américain dans la vie de la Grèce de l’époque.

La comédie reçoit le Prix du Meilleur Scénario par le Festival de Thessalonique et plus tard, le Prix d’Etat de la mise en scène.

Dans Trouba 67 (1967), Grigoriou fait un film des mœurs, relatif à l’histoire des maisons closes et du quartier malfamé de Trouba au Pirée, qui n’existe plus.

Grigoriou achève son activité cinématographique en 1971, ayant déjà réalise une trentaine de films, tout en s’occupant en parallèle avec le théâtre, la télévision et la traduction des œuvres théâtrales.

Il est considéré comme l’un des pionniers du cinéma grec, qui échappe à la règle des films commerciaux de l’époque, en explorant la forme du néoréalisme, version grecque.